【俗话说，乱世黄金，盛世收藏。目前，人们对艺术品收藏和投资的热情达到前所未有的高度，艺术品的投资功能被无限放大。从本质上说，艺术品的核心价值是文化，作为投资品的时候会存在诸多限制。所以，收藏时需要有更多的耐心去了解藏品的内涵、价值，厘清影响藏品变现的各方面因素，才能在收藏及变现的过程中游刃有余。解决变现难的问题，不只需要藏家的努力，也需要监管部门的监管。比如，规范艺术品经营交易场所，建立健全藏品鉴定及定价机制，打击售假贩假，保证各种艺术品交易渠道的通畅等。】
【敬告各位良师益友们：投资书画艺术品时，一定选择要原创，有创新，有自己独特的绘画表现形式的，传承创新者才有很高的艺术投资价值。对艺术界有贡献，有影响力的艺术家，市场价格已经较高了。刚介入收藏的朋友应该从二、三线书画家作品开始，低价买入精品，投资小、保值，增值风险低。但选择的投资的画家一定是实力派画家。切记书画投资有风险，投资需需谨慎，不是纯手工书画就有投资收藏价值！现在书画市场鱼龙混杂。进入书画艺术收藏圈子需紧跟信得过的投资顾问才是最明智的选择。】
【（收藏心经】字画买时都嫌贵，没买现在都后悔！当初三百没有买，现在三万买不回！嫌贵不买等等看，越等越看价翻倍！收藏前辈有体会，错过多次好机会!嫌贵你可仍不买，你再慢慢找回味！历史经验己证明，越贵越买越不贵！】
【书画这“东西”，好像长了“灵性”，他要和你有缘分，转过多少人的手，最后还得归你收藏，如果他要和你没缘分，就是到你的手中，也终会失去。收藏的过程就是一个学习、提高的过程，甜、酸、苦、辣全有。但开始了这样一种生活，便要走下去，“醉翁之意不在酒，在乎山水之间也。”】
【收藏周刊：那您觉得鉴定一幅书画的关键是什么呢？梁伟超：首先是作品里面的题款，也就是书法，画面可以造假，书法是很难造假的。每个字都反映出画家在书写过程中的艺术修养，这里面包括笔法、墨法、章法、格调、气息等等问题，在笔法上，要模仿一个画家运笔习惯非常难，就算这方面相似了，但是还有墨法，就是浓淡干湿的处理，还有章法，即整幅作品的布局，以及款字行笔是否流畅，随意自如，若诸方面都要模仿得相似，这个几率真的非常小。因此，所谓以书入画，鉴定也是直接从书法入手，便知真假。】
【 “卖价高”不等于“艺术高”盲目投资风险大：对于书画市场的涨价，一些业内人士表示担忧。“许多当代名家的作品已直逼一线大师作品的价格，有的甚至已经超过了一些大师作品的价格，这显然很不正常，有炒作、虚热的成分。”田朝旭认为，当代一些书画家的作品价格有泡沫，如果将其作为投资对象，风险很大。“书画最好按质论价。”他说。
李鸿照也认为，很多收藏者也是看重投资价值，而不是真正地热爱艺术。“作品的艺术价值取决于很多因素，包括作者的人格、人品、学问、修养、技艺、才情等等。”他说，现在有一些画家一边打电话聊天，一边画画，几分钟就画好了一幅作品，这样的作品又有多少艺术价值？有些很知名的画家，一年下来要画好几千幅作品，平均一天就好几幅，纯粹成了“复印机”。“对很多人来说，艺术已经成了一门手艺，一个行当，已没有‘品格’可言。”他说。“书画作品价格的高低并不能代表作品本身的艺术价值，这个市场现在肯定是有泡沫，是一种不正常的现象。”谢纪元认为，书画作品涨价，应该像上楼一样，一步一步涨价，而不是忽然就“吊”上去了，“那样如果摔下来，肯定很惨。”有业内人士强调，投资书画作品千万不可盲目跟风，其中风险非常大！】
求新，是艺术发展的动力。自上个世纪８０年代以来，艺术领域的求新求变一直非常活跃，这显示了我国当代艺术的活力。当然，探索可能有成功，也可能有失败。如何理解艺术创新？如何进行艺术创新？收藏家应该怎么看待艺术行业形形色色的“创新”，看准投资，减少风险？数月前人民日报曾刊一文，对艺术创新问题有独到阐述，特推荐大家一读。
每个时代都有一批这样的艺术家，他们创造了有技术难度、有鲜明个性的艺术，但其艺术审美公共性的“视域”太窄、适用性太低，不具备或较少具备普遍的艺术范式意义，因而没有获得广泛社会认可，只能停留在历史边缘。
真正的艺术创新既需要大胆探索，有技术难度，又需要具备社会公共性，为人们普遍接受。这样的艺术家是具有高难度的“新技术”开创者，自成体系，同时拥有鲜明个性，创造出来的作品“人人心中有，人人笔下无”。
身处这个瞬息万变的时代，各个行业各个领域都潜滋暗长着“本领恐慌”。创新于是成为一个无处不在的高频词，视创造为生命的文艺界更是如此。那么，到底什么才叫“创新”？
习近平同志在第十次文代会、第九次作代会开幕式上重要讲话中指出：“创新是文艺的生命。要把创新精神贯穿文艺创作全过程，大胆探索，锐意进取，在提高原创力上下功夫”“创新贵在独辟蹊径、不拘一格，但一味标新立异、追求怪诞，不可能成为上品，而很可能流于下品。”为什么习近平同志一方面号召广大文艺工作者要“大胆探索，锐意进取”，努力“提高原创力”；另一方面又告诫大家不能“一味标新立异、追求怪诞”？这里面有很深刻的思想内涵，对于我们广大文艺工作者正确理解艺术规律、把握好“艺术创新”分寸，具有重要指导意义。
三要素缺一不可
十多年前，我曾就“艺术”的概念作过一些研究。在我看过的典籍里，有一个表述概括得最为简洁、准确，令人眼前一亮：艺术，是指在创造既可分享又具有美学意味事物的过程中，对技巧与创造性想象有意识的运用，以及由此产生的具体作品。这里指出“艺术”必须具备三个要素：1.技术；2.独创性（富有创造性的想象力）；3.公共性（可与他人共享）。这一概念对大多数艺术门类都适用，包括文学、影视、绘画，以及中国独特的书法艺术等。
艺术首先必须具备技术高度。有技术不一定是高水平艺术，但没有高超的技术，肯定不是一流的艺术。达·芬奇、拉斐尔、米开朗基罗被尊为文艺复兴“三杰”，王羲之被尊为千古“书圣”，为艺术同行顶礼膜拜，其共性首先在于他们都具有高超技术，为常人所不及。缺乏技术高度的作品或可以炒作或可以耀世，但只能昙花一现，放到历史天平上，终究是压不住的。艺术，必须有高超技术作支撑。
那么有了高超技术，是否就一定是一流艺术了呢？我画得跟大师一样（事实上多半恐怕是“自以为”而已），成为某某“再世”了。当然这已经很了不起，至少说明才华足够，功夫下得可以。但就艺术史而言，仅仅成为“某某第二”还是不够的。艺术史很势利，它只承认第一个。换句话说，艺术史非常强调“独创”，也就是“原创力”——你会的那个东西必须是你自己的，是你的智慧创造；如果你是抄袭或模仿别人，那充其量是“二传手”，技术搬运工而已，距离一流艺术家还很远。艺术在高级层面必须是原创。所谓“学人半年，自创半生”，难就难在这里。它不但要有天分、勤奋，还要有各种机缘际会，才可能突然悟道，“独照灵襟”“创开规矩”。这里既要有对既往经验的继承，还要有对现存规则的突破。没有对既定规则的突破，就没有历史性开创与超越；没有历史性开创与超越，就没有一流。
那么，是不是我一味挖空心思，向壁虚造，“履险蹈怪”，把创作搞得离奇怪诞，就具有一流品质了呢？
不行，这里还有第三个约定，那就是艺术必须具备社会“公共性”。正如上文引用的概念所解释的，你必须能够与他人分享，这是一句很有智慧的话，拥有巨大联想空间。艺术家的创造必须让大家看明白，能沟通！艺术之所以成为艺术，最根本在于它以独特方式表达人类共同的精神关注；艺术和艺术作品的社会属性，决定它必须介入社会，进入人与人的交流，才可能实现其本质价值。一幅画，画家完成了创作，如果被闲置在画室，没有进入人们的欣赏视野，那它只是承载了画家“单方倾诉”的一堆介质材料：画框、画布、颜料。在封闭的物理空间里，它只有媒介材质的物理意义。只有在进入社会、为社会所接受，作品的艺术属性才得以实现。这里，“公共性”是它完成整个创作过程的基础。没有“公共性”，技术难度、独特性、思想价值都无从获得认可，甚至连画作作为“艺术”“艺术品”的基本身份也无法实现。
真正创新既独辟蹊径又具备艺术范式意义
人类视听艺术拥有无限发展空间。过去几千年，无数艺术大师辛勤耕耘，锐意开掘，那已发现的也只是固有艺术规律“原始莽原”的区区一隅，对于尚未可知的艺术世界来说，更是“渺沧海之一粟”。艺术规律是一条潜行地底的暗河，历史上已有不计其数的艺术家，从不同方位、角度不断开掘。
每个时代都有一大批艺术追求者，他们有热情，但或缺乏足够的探测发现规律的敏感性，或缺乏持久的恒心、毅力，或因其他条件匮乏，虽上下求索，最终还是半途而废，艺术探索失败，他们自身也成为艺术殉道者。每个时代也都有一大批艺术追求者既有一定领悟艺术的敏感性，又有足够恒心、毅力、物质支持，他们上下求索，很幸运，潜行地底的暗泉从厚土下渗涌上来，他们收获了艺术真理。但遗憾的是，任何探索都存在不能预知的偶然性：方位一偏，就只能触及暗河边缘，真理外围。“覆杯水于坳堂之上，则芥为之舟”，没有大泽巨滂，边缘的真理发现只能锻造边缘的艺术、边缘的艺术家。每个时代都有一批这样的艺术家，他们创造了有技术难度、有鲜明个性的艺术，但其艺术的审美公共性“视域”太窄、适用性太低，不具备或较少具备普遍的艺术范式意义，因而没有获得广泛社会认可，只能停留在历史边缘。
艺术史上也有一些幸运者，他们为数不多，但独得天赐，凭借天分、学养、勤奋以及其他机缘，终于在艺术上凿开一片自家天地。他们的创造既有技术难度又具社会公共性，既个性鲜明又为众人普遍接受，甚至被奉为典范。这样的艺术家就是艺术史上的大师。他们是具有高难度的“新技术”（艺术表现语言和手法）的开创者；他们开创的“新技术”自成体系；他们拥有鲜明个性，和历史拉开适度距离，又和历史相衔接，是“人人心中有，人人笔下无”，是大家共同期盼去发现、去创造而未能遂愿的艺术作品。近代文艺理论家给这类作品一个有趣的称呼：熟悉的陌生人。它是我们“熟悉”的，契合历史、符合规律，在人类艺术审美既定轨道上；它同时又是“陌生”的，是一个全新创造，它和历史及当代都合理地拉开距离；同时，它是“人”的，没有背离人类艺术基于理性积淀发展起来的基本准则。
沿用前面关于“暗河”的比喻，这些艺术史上被奉为大师的探索者就是有足够天分、学养，幸运地开掘出在地底运行的艺术规律的暗河主流。也因为他们方位准确，厚土一旦凿通，艺术真理之泉就会喷射而出，漫天水花在阳光照耀下幻化出五彩虹霓；这样的艺术家才可能在历史合理性基础上驰骋个性、想象和创造，“任笔为体”“聚墨成形”，从“必然王国”到“自由王国”，无论怎样做都“从心所欲不逾矩”，这样的艺术家就成为新标准、新法度代言人：新标准由此确立，艺术大家由此产生。书法史上的大师，王羲之、颜真卿、苏轼、黄庭坚等，都以其独特个性形式与风貌，完成原本“隐性存在”的汉字书法普遍规律（这是书法审美的共同性基础）的“现实化”过程，使书法艺术规律的某些部分从“无”（混沌的本原世界）走向“有”（世俗存在的生活世界）。他们之所以能成为后人万世崇仰的一代宗师，正是因为他们创造的系统化个性艺术语言既具艺术独创性、技术难度，同时切合中国人对汉字形式审美创造的共同理想，经得起千年的历史检验。
概括地说，对艺术创新，我们既要“大胆探索，锐意进取”，努力“独辟蹊径，不拘一格”，但又要时时警醒，不能“一味标新立异、追求怪诞”，因为“社会公共性”是所有一流艺术和一流艺术家安身立命的基础。没有这一基座，最后的结果可能不是自己的创作或成为“上品”或流于“下品”的问题，而是能不能进入“品”的层级，如是，那就徒然创作者一生的艺术探索了。
（原文：郑晓华《立起艺术创新的基座》刊载于《人民日报》2018年4月6日）
